[ad_1]
Η Kaija Saariaho, μια Φινλανδή συνθέτρια που ανατράφηκε στον ανδροκρατούμενο κόσμο του υψηλού μοντερνισμού, η οποία σφυρηλάτησε μια καλλιτεχνική ταυτότητα αποκλειστικά δική της και ανέβηκε στις κορυφαίες βαθμίδες της σύγχρονης κλασικής μουσικής, πέθανε την Παρασκευή στο σπίτι της στο Παρίσι. Ήταν 70.
Η αιτία ήταν ο καρκίνος του εγκεφάλου, είπε ο εκδότης της, Chester Music. Το τελευταίο της κομμάτι, ένα κονσέρτο τρομπέτας, θα κάνει πρεμιέρα τον Αύγουστο με τη Συμφωνική Ορχήστρα του Ραδιοφώνου της Φινλανδίας, υπό τη διεύθυνση της Susanna Mälkki, κορυφαίας ερμηνεύτριας της μουσικής της κας Saariaho.
Η κα Saariaho ήταν πάντα «αναστατωμένη που την αποκαλούσαν γυναίκα συνθέτη», είπε ο σκηνοθέτης Peter Sellars, αλλά το έργο της «έχει τόσο βαθύ νόημα για τόσους πολλούς ανθρώπους που δεν άκουγαν τη φωνή τους στην κλασική μουσική». Ο κ. Σέλλερς, μακροχρόνιος συνεργάτης που ανεβάζει την όπερα της «Adriana Mater» του 2006 στη Συμφωνική του Σαν Φρανσίσκο την επόμενη εβδομάδα, πρόσθεσε: «Είναι μια γυναικεία φωνή που δεν είχαμε ποτέ πριν. Η Kaija άνοιξε κυριολεκτικά το άλλο μισό του κόσμου στην κλασική μουσική».
Το στυλ της ήταν συχνά δύσκολο να κατηγοριοποιηθεί. Αυτό που εξελίχθηκε, μέσα από πειράματα με τη χροιά και τα ηλεκτρονικά, ήταν ένας γαλαξίας μοναδικών ηχητικών κόσμων τόσο ζωντανών όσο και μυστηριωδών, με απήχηση τόσο για τους γνώστες όσο και για τους νεοφερμένους.
«Κατάφερε να κάνει αυτό που πολλοί συνθέτες της γενιάς της δεν κατάφεραν να κάνουν», είπε ο Peter Gelb, γενικός διευθυντής της Metropolitan Opera. «Το έργο που δημιούργησε ήταν εντελώς πρωτότυπο και προσιτό».
Καθ’ όλη τη διάρκεια της καριέρας της, η κα Saariaho δεν εργάστηκε σε ρητά παραδοσιακές μορφές, αλλά έγραψε για πολλές μουσικές διαμορφώσεις: σόλο όργανα και σύνολο δωματίου, συμφωνική ορχήστρα και όπερα. Και ενώ συνέθετε, είπε στον βιογράφο Pirkko Moisala, έβλεπε τον εαυτό της ως μια κοινωνικά συνειδητοποιημένη βιοκαλλιεργητή.
«Το καθήκον του σημερινού καλλιτέχνη είναι να γαλουχήσει με πνευματικά πλούσια τέχνη», είπε. «Να δώσουμε νέες πνευματικές διαστάσεις. Να εκφραστεί με μεγαλύτερο πλούτο, που δεν σημαίνει πάντα περισσότερη πολυπλοκότητα, αλλά με μεγαλύτερη λεπτότητα».
Η Kaija Anneli Saariaho γεννήθηκε στις 14 Οκτωβρίου 1952 στο Ελσίνκι, το μεγαλύτερο από τα τρία παιδιά του Launo Laakkonen, ενός επιχειρηματία, και του Tuovi Laakkonen. Η οικογένειά της δεν ήταν μουσική, αλλά άρχισε να σπουδάζει βιολί στα 6 και πιάνο στα 8. Η μητέρα της αργότερα της είπε ότι το βράδυ θα ζητούσε από κάποιον να «κλείσει το μαξιλάρι» γιατί άκουγε τόση πολλή μουσική από αυτό που δεν μπορούσε να κοιμηθεί.
Στα 10 άρχισε να συνθέτει, αλλά κρυφά — γιατί στο μυαλό της, οι συνθέτες ήταν άντρες. Δεν έμοιαζε εντελώς με αυτό που πίστευε ότι θα έπρεπε να είναι ένας συνθέτης, είπε στον κ. Μοϊσάλα, «τόσο εξωτερικά όσο και εσωτερικά».
«Τα πράγματα που διάβαζες για μεγάλους συνθέτες ως παιδί — και, επιπλέον, η εικόνα που έχει κανείς για τον Σιμπέλιους», είπε, αναφερόμενη στον πιο πολύτιμο συνθέτη της Φινλανδίας. «Αυτές ήταν οι σκέψεις που με παρέλυσαν».
Μετά την ολοκλήρωση της δευτεροβάθμιας εκπαίδευσής της στη σχολή Rudolf Steiner στο Ελσίνκι, γράφτηκε στο Ωδείο Μουσικής του Ελσίνκι, καθώς και στο Ινστιτούτο Βιομηχανικών Τεχνών, όπου ήταν φοιτήτρια γραφιστικής.
Παντρεύτηκε τον Markku Saariaho, αλλά το διαζύγιο ακολούθησε γρήγορα και το 1972 μετακόμισε με έναν νέο σύντροφο, τον εικαστικό Olli Lyytikäinen. Έζησαν μαζί για επτά χρόνια, κατά τη διάρκεια των οποίων το διαμέρισμά τους στο Ελσίνκι έγινε τόπος συγκέντρωσης νέων, ομοϊδεατών.
Τελικά, η κα Saariaho εγκατέλειψε το πρόγραμμα γραφιστικής για να σπουδάσει σύνθεση με τον Paavo Heininen στην περίφημη Ακαδημία Sibelius. Εκεί, ο κοινωνικός της κύκλος περιελάμβανε μουσικούς που είναι πλέον διακοσμητές, όπως ο Magnus Lindberg και ο Esa-Pekka Salonen. Μαζί δημιούργησαν την ομάδα Korvat Auki! (Αυτιά Ανοιχτά!) για τη διάδοση της σύγχρονης μουσικής. «Κάναμε συναυλίες σε σχολεία και νοσοκομεία και ούτω καθεξής — έξω από βενζινάδικα στη μέση του πουθενά, σε χιονοστιβάδες», είπε ο κ. Salonen.
Η κ. Saariaho συνέχισε τις σπουδές της στο Ωδείο Μουσικής του Φράιμπουργκ στη Γερμανία, ενώ παρακολούθησε και καλοκαιρινά μαθήματα στο μοντερνιστικό κέντρο του Ντάρμσταντ. Όταν τελείωσε, το 1982, έφυγε για το Παρίσι, όπου παρακολούθησε μαθήματα στο IRCAM, το πρωτοποριακό ινστιτούτο που ίδρυσε ο Pierre Boulez.
Η γενιά των συνθετών της κας Saariaho, που ανατράφηκε με το σήμα του μοντερνισμού του Boulez, αναζητούσε επίσης διέξοδο από αυτό. Στο Ντάρμσταντ, την προσέλκυσε ο φασματισμός – ο οποίος απομακρύνθηκε από τον σειριαλισμό προσεγγίζοντας τη σύνθεση εστιάζοντας στη φύση του ήχου και όχι στα μαθηματικά συστήματα – και έμαθε τη μουσική των Gérard Grisey και Tristan Murail.
Η παλαιότερη δημοσιευμένη μουσική της κας Saariaho αντανακλά την εκπαίδευση και τα ενδιαφέροντά της, όπως το “Verblendungen” (1984), ένα έργο με πλούσια, μεταβαλλόμενα χρώματα στο οποίο ένα ζωντανό σύνολο και μια κασέτα αρχίζουν σε ηχοχρώματα μεταξύ τους πριν διαμορφώσουν έναν νέο, ξεχωριστό ήχο.
Η αισθητική της αυτής της εποχής, είπε ο κ. Salonen, έχει «ένα πολύ ιδιαίτερο είδος μαγικής ομορφιάς και είδος συναισθηματικής γλώσσας που μεταφέρει πολύ βαθιά, πολύ δυνατά συναισθήματα». Πρόσθεσε ότι «επέστρεψε στοιχεία στη σύγχρονη μουσική που είχαν, αν όχι λείπει, τουλάχιστον κρυμμένα».
«Έφερε πίσω βαθιά συγκίνηση και άμεσο συναίσθημα στη δυτική έντεχνη μουσική χωρίς να φτηνώσει τίποτα», είπε ο κ. Salonen.
Το 1984, η κ. Saariaho παντρεύτηκε τον Γάλλο συνθέτη Jean-Baptiste Barrière, ο οποίος της επιβίωσε, μαζί με τα δύο τους παιδιά, τον συγγραφέα-σκηνοθέτη Aleksi Barrière και τη μουσικό Aliisa Neige Barrière. Η κα Saariaho εγκαταστάθηκε στο Παρίσι, αν και διατήρησε τη φινλανδική της ταυτότητα, περιγράφοντας τον εαυτό της ως Φινλανδή που ζει στη Γαλλία.
«Το να ζω και να συνθέτω σε μια πόλη που μου παραμένει διαρκώς παράξενη», είπε στον κ. Μοϊσάλα, «είναι το κλειδί για μια ύπαρξη που μου επιτρέπει να ξεκολλήσω από την πραγματικότητα και να μπω στην αφηρημένη γλώσσα της μουσικής».
Η κ. Saariaho βρισκόταν σε μια συνεχή κατάσταση αλλαγής και εξέλιξης ως καλλιτέχνης. Ασχολήθηκε με τις δυνατότητες των ηλεκτρονικών και των υπολογιστών και έφερε το πνεύμα ενός εξερευνητή στη δοκιμή των διαφορετικών κόσμων των ορχηστρών. Λάτρευε την ανθρώπινη φωνή, είπε κάποτε σε μια συνέντευξη με τον εκδότη της, αποκαλώντας την «την πιο πλούσια μορφή έκφρασης». Αλλά στην αρχή της καριέρας της πάλεψε να βρει τι ακριβώς ήθελε να κάνει με αυτό.
Τα όργανα που προτιμούσε ήταν τα πιο ανθρώπινα: το φλάουτο και το τσέλο. Η κα Saariaho συχνά συνεργαζόταν με τη φλαουτίστα Camilla Hoitenga, σε έργα όπως το «NoaNoa» (1992), που περιείχε ηλεκτρονικά είδη, και το ποιητικό κονσέρτο «L’Aile du Songe» (2001). Η τσελίστα Anssi Karttunen έκανε πρεμιέρα το πολυταξιδεμένο κοντσέρτο της κας Saariaho «Notes on Light» (2007), καθώς και το υποβλητικό σόλο «Sept Papillons» (2000).
Η κ. Saariaho, που δεν είχε την επιθυμία να γράψει μια όπερα, άλλαξε γνώμη αφού είδε το 1992 του κ. Sellars να ανεβάζει το έργο του Messiaen «St. Francois d’Assise» στο Φεστιβάλ του Σάλτσμπουργκ στην Αυστρία. Αυτή η εμπειρία, είπε η κ. Saariaho στον εκδότη της, «άνοιξε το μυαλό μου στο τι μπορεί να γίνει λέγοντας μια ιστορία με μουσική» και οδήγησε σε μια σειρά συνεργασιών με τη σοπράνο Dawn Upshaw, ένα από τα αστέρια της.
Και έτσι η κα Saariaho μπήκε στον 21ο αιώνα με την πρεμιέρα της πρώτης της όπερας, «L’Amour de Loin», η οποία αναγνωρίστηκε ευρέως ως αριστούργημα και ανέβασε σημαντικά το διεθνές της προφίλ. Μια ονειρική, αθόρυβα απέραντη επανάληψη του «La Vida Breve» του μεσαιωνικού τροβαδού Jaufré Rudel, περιείχε ένα λιμπρέτο του Amin Maalouf και έφερε πίσω μέρος αυτού του «St. Francois d’Assise», συμπεριλαμβανομένων των κ. Sellars και κα Upshaw. Ο Anthony Tommasini των New York Times το περιέγραψε ως «ένα συχνά συγκλονιστικό και εντελώς ξεχωριστό έργο».
Στα μετέπειτα χρόνια, συνέθεσε τις προηγούμενες εξελίξεις της, εφαρμόζοντας στοιχεία του στυλ της σε συνετό, φαινομενικά αναπόφευκτο αποτέλεσμα. Η παραγωγή της, είπε ο κ. Salonen, «μπορεί να θεωρηθεί ως ένα απέραντο δάσος όπου αναπτύσσονται όλα αυτά τα φυτά και τα δέντρα και βρίσκονται σε ένα είδος συμβιωτικής σχέσης μεταξύ τους. Αλλά είναι το ίδιο δάσος».
Έγραψε έργα που θα μπορούσαν σε γενικές γραμμές να περιγραφούν ως συμφωνίες ή κονσέρτα. Αλλά είπε επανειλημμένα ότι στις παρτιτούρες της προσπαθούσε να βρει έναν οργανικό τόπο συνάντησης μεταξύ υλικού και φόρμας. «Κάθε μουσικό κομμάτι», είπε κάποτε στον εκδότη της, «πρέπει να ζει τη δική του ζωή γιατί το καθένα είναι εντελώς δικό του».
Στη Φινλανδία, όπου οι συνθέτες χαίρουν μεγάλης εκτίμησης, η κα Saariaho ήταν «κάποιος που θα μπορούσε να αναγνωριστεί στους δρόμους», είπε ο κ. Salonen. «Ο κόσμος πήγαινε και της μιλούσε και την ευχαριστούσε για τη μουσική. Και οι ταξιτζήδες της έλεγαν ότι αγαπούσαν την όπερά της. Ήταν σε αυτό το επίπεδο».
Με τοξωτά φρύδια και μια χαίτη με κόκκινα μαλλιά, η κυρία Saariaho ήταν εύκολο να εντοπιστεί. Στις επισκέψεις της στη Νέα Υόρκη, μπορούσε να τη δει κανείς να μιλά με θαυμαστές που την είχαν σταματήσει στο λόμπι ή στους διαδρόμους του Met, όπου το «L’Amour de Loin» σκηνοθέτησε ο Robert Lepage το 2016, μόνο η δεύτερη όπερα από μια γυναίκα. συνθέτης που θα ανέβει εκεί, και ο πρώτος από το 1903.
Έγινε το πιο γνωστό από τα δραματικά της έργα, αλλά ακολούθησαν περισσότερα, το καθένα ξεχωριστό από τον προκάτοχό του. Το «Adriana Mater», με λιμπρέτο του κ. Maalouf, αφαιρέθηκε από τα πρωτοσέλιδα. Το “Only the Sound Remains”, από το 2015, ήταν μικρότερο σε κλίμακα, εμπνευσμένο από τον Ezra Pound και το θέατρο Noh. Ένα κομμάτι για τον φιλόσοφο Simone Weil, το ορατόριο του 2006 «La Passion de Simone», ήταν στο ύφος των διάσημων Παθών του Μπαχ.
«Νομίζω ότι τόσο ο Bach όσο και ο Kaija δημιουργούσαν μουσική που έχει να κάνει με το φως που λάμπει από το σκοτάδι», είπε ο κ. Sellars, που ανέβασε το «Passion». «Η μουσική καταλαβαίνει το σκοτάδι και ταυτόχρονα το σκοτάδι σε κάνει να αρχίσεις να καταλαβαίνεις και να αναγνωρίζεις το φως».
Ο μεγαλύτερος θρίαμβος της κας Saariaho από το «L’Amour» ήρθε το 2021, με την πρεμιέρα του «Innocence» στο Φεστιβάλ Aix-en-Provence στη Γαλλία. Το κομμάτι ήταν ένα από τα πιο φιλόδοξά της, ένα μωσαϊκό θρίλερ τραύματος και μνήμης που σημείωσε για μια πλήρη ορχήστρα, μια χορωδία και ένα καστ 13 ερμηνευτών, με μια ομαλή ανάμειξη στυλ όπως ο ανεβασμένος, οιονεί μουσικός λόγος και ο λαϊκός.
«Αυτό», έγραψε ο Zachary Woolfe για εκείνη την όπερα στους The Times, «είναι αναμφίβολα το έργο ενός ώριμου δασκάλου, με τόσο πλήρη γνώση των πόρων της που μπορεί να επικεντρωθεί απλώς στο να αφηγηθεί μια ιστορία και να φωτίσει χαρακτήρες».
Το “Innocence” θα ταξιδέψει στο Met τη σεζόν 2025-2026 — οπότε η κα Saariaho θα γίνει η σπάνια σύγχρονη συνθέτρια και η μοναδική γυναίκα, που θα έχει να ανεβάσει περισσότερα από ένα έργα εκεί. Και, ως απόδειξη της δύναμης διατήρησης της μουσικής της, άλλοι σκηνοθέτες έχουν ασχοληθεί με τις παλαιότερες όπερες της.
«Δεν τελειώνεις με αυτά τα έργα», είπε ο κ. Σέλλαρς, ο οποίος επισκέπτεται ξανά το «Adriana Mater». «Έτσι συμβαίνει με τα έργα των μεγάλων συνθετών. Επιστρέφεις σε αυτά όλη σου τη ζωή και αυτά τα κομμάτια γίνονται πιο σχετικά και πιο απαραίτητα όσο περνάει ο καιρός».
Ο Javier C. Hernández συνέβαλε στην αναφορά.
[ad_2]
Source link
